Het nieuwste nummer van Drawing bevat een verhelderende Q + A met Don Gale, een beeldhouwer en tekenaar met tientallen jaren ervaring in het lesgeven en maken van kunst. Hier kun je wat van de wijsheid lezen die Don in dat interview deelde en een paar van zijn tekeningen zien die niet in het tijdschrift zijn gekomen.
Genieten! En om meer te weten te komen over de praktijk van deze kunstenaar, neem je een exemplaar van het winternummer 2013 van Tekening. Bezoek www.dongalestudio.com voor meer informatie over zijn werk.
Tekening: uw figuurtekeningen hebben een enorm gevoel van gebaar. Wat is het belang van het gebaar en hoe leg je het vast in een tekening?
Don Gale: Het gebaar is een weergave van de totale figuur, en tekenen gaat helemaal over de totale figuur - leren om de totale figuur te zien en uit te vinden hoe de delen zich verhouden tot dat geheel. Als je je het totale cijfer kunt voorstellen en het in gedachten kunt houden terwijl je de afzonderlijke delen van het lichaam tekent, kun je niet missen.
Ik teken het gebaar als een lijn die helemaal door de figuur omhoog komt. Het is bijna een abstracte lijn; er is nog geen definitie in het formulier. Maar die lijn heeft een ritme en komt op het totale cijfer. Ik voeg vervolgens de definities van de figuur toe aan die eerste regel.
Tekening: Is tekenen voor sculptuur veel anders dan andere tekenmodi?
Don Gale: Er is een verschil tussen hoe beeldhouwers en schilders tekenen. Beeldhouwers zoals Michelangelo en de Florentijnse kunstenaars trokken de lijn die de vorm definieerde. Ze waren geïnteresseerd in waar het formulier begon en eindigde. Schilders definiëren vorm door middel van licht, door schaduwen, dus vaak tonen ze niet de hele grenzen van een vorm in hun tekeningen. Wanneer beeldhouwers beeldhouwen, moeten ze de hele vorm maken - ze kunnen het niet alleen met toon creëren.
Tekening: Hoe definieer je "vaardigheid" met betrekking tot kunst? Hoe denk je dat het moet passen in de opleiding van een kunstenaar?
Don Gale: Skill is toegepaste kennis. Het is wanneer je iets weet en het steeds opnieuw kunt toepassen. Mensen begrijpen het beter met betrekking tot muziek dan met betrekking tot kunst. Een muzikant moet weten hoe de toetsen moeten worden ingedrukt, hoe de vingers moeten worden geplaatst, enzovoort. En om die kennis echt te begrijpen, moet je die opnieuw en opnieuw en opnieuw toepassen. Het is hetzelfde met zoiets eenvoudigs als leren typen of zo complex als het uitvoeren van een operatie.
Als het gaat om tekenen, moet je weten hoe licht de vorm raakt; hoe het te modelleren. Dat zijn programma's die je leert - een beetje zoals het programmeren van een computer om bepaalde functies uit te voeren. Dat is vaardigheid. Sommige leraren zijn tegen vaardigheid omdat ze vinden dat het creativiteit doodt. Maar het is eigenlijk het tegenovergestelde - vaardigheid geeft je de mogelijkheid om te creëren.
Neem bijvoorbeeld snelle poses. Je zou ze niet kunnen maken zonder toegepaste kennis - de verschillende programma's die je hand leert door tijd en herhaling. In deze tekeningen beweeg je zo snel, zonder na te denken, dat de tekeningen er net uitkomen. En die snelheid en afwezigheid van gedachte is in zekere zin waar de tekeningen over gaan. Ze tonen de emotie die door de hand komt en ze tonen ook iets dat verder gaat dan de emotie; iets onbekends. En de kern van creativiteit is het onbekende.