Ik sprak met Calvin Goodman, de auteur van Art Marketing Handbook (Gee Tee Bee Publications, Los Angeles, Californië), net na het afronden van mijn blogpost over het vastleggen van een gelijkenis in portretschilderen. Hij moedigde me aan om erop te wijzen dat de meeste kunstenaars er niet in slagen hun gevoel van passie over te brengen voor de mensen wier beelden ze schilderen. "Er zijn te veel stijve kopieën van foto's, " zei hij. “De foto's zijn slechts mechanische opnamen van wat de camera heeft opgenomen. Ze missen een gevoel voor de emoties van het onderwerp of de passie van de kunstenaar."
Calvin en ik hebben wat meer gesproken over wat het echt betekent voor kunstenaars om hun persoonlijke, emotionele, unieke reactie toe te voegen aan een landschap, stilleven of portret. Vaak komt het tot uiting in de individuele stijl van het omgaan met pastels, oliën, aquarellen of tekenmaterialen; maar vaker wordt het overgebracht door de verschillende keuzes die kunstenaars maken over de onderwerpen die ze kiezen en de manier waarop ze kijkers betrekken bij verkenningen van die onderwerpen. Andrew Wyeth drukte zijn gevoelens uit door spaarzame winterlandschappen te schilderen waarin peinzende figuren alleen verschijnen, terwijl John Singer Sargent zijn reactie op de Gilded Age met gebaren vertegenwoordigde van elegant geklede edelen. Als we naar de schilderijen van deze kunstenaars kijken, voelen we wat er in hun hart en geest moet zijn geweest.
Het is niet altijd gemakkelijk om te zeggen waarom de ene kunstenaar zijn of haar passie kan overbrengen en een andere niet. Het is een van die gevallen waarin je misschien niet kunt bepalen waarom er iets gebeurt, maar je weet het wanneer je het ziet. Ik denk echter dat er manieren zijn waarop kunstenaars de kans kunnen vergroten dat hun tekeningen en schilderijen hun passie zullen uiten. Hier zijn een paar suggesties die bij me opkwamen. Ik zou het op prijs stellen als u er zelf een zou toevoegen.
- Verf wat je weet. Dit is een algemeen advies dat wordt aangeboden door artiesten die zijn geprofileerd in American Artist. De suggestie is dat als je begint met het tekenen of schilderen van een onderwerp waar je een sterke gehechtheid aan hebt - een gekoesterd object, een familielid, het uitzicht vanuit je raam - je eerder vastlegt wat je voelt over dat onderwerp.
- Onthoud je doelen. Veel van de instructeurs in Workshop magazine vragen studenten om op te schrijven waarom ze hebben besloten om een bepaald onderwerp te schilderen en terug te verwijzen naar die opmerking tijdens het teken- of schilderproces. Als een kunstenaar bijvoorbeeld een aantekening maakt over het glinsterende licht dat wordt gereflecteerd in een kristallen schaal, kan de kunstenaar afstand nemen van zijn of haar schilderij en vragen of dat glinsterende licht nog steeds het meest prominente element in de afbeelding is. Als dit niet het geval is, weet de kunstenaar dat het tijd is om aanpassingen in de kleuren, vormen of waarden aan te brengen.
- Leg referentiemateriaal opzij. Tekenmagazine bevat vaak kunstenaars die hun verbeelding verkennen terwijl ze houtskool-, inkt- of Conté-tekeningen maken van dieren, mensen of denkbeeldige plaatsen. Ze leggen referentiefoto's, voorbereidende schetsen en compositorische studies opzij en laten hun geest en handen vrij bewegen van de ene markering op het papier naar de andere. Uiteindelijk wordt het beeld een gepassioneerde mix van wat ze weten en wat ze dromen.
- Blijf de uitdagingen doorstaan. Artiesten geprofileerd in het tijdschrift Watercolor identificeren vaak een punt in het creatieve proces waarop ze denken dat alles fout gaat. Dat komt vaak omdat de afzonderlijke lagen transparante kleuren niet goed lijken samen te werken tot de allerlaatste fase van het verfproces. Het advies dat deze kunstenaars vaak geven is om de uitdagingen en onzekerheden te doorstaan in plaats van op te geven. "Geniet van elk deel van het proces, en maak je geen zorgen over het realiseren van een vooropgezet beeld in het voltooide schilderij, " zei een ervaren kunstenaar. "Zelfs als je het schilderij vernietigt, heb je iets waardevols geleerd dat je kunt toepassen op de volgende poging."
- Laat sommige gebieden mysterieus. Een van de dingen die ik bewonder aan schilderijen van Richard Schmid, Daniel Gerhartz, Dawn Whitelaw en Susan Lyon zijn de gebieden die losjes zijn gedefinieerd. Dat wil zeggen, de ruimte rondom een strak weergegeven gezicht of schotel is gevuld met brede, gebaren, gewaagde lijnen van verf en blootgestelde delen van het canvas die suggereren wat er zou kunnen zijn. Ik voel de energie en opwinding van het penseelwerk terwijl ik me inbeeld wat er aan de hand is in dat deel van het stilleven of portret. Dat gevoel van mysterie stimuleert een emotionele reactie die aansluit bij de passie waarmee het beeld is ontwikkeld.
- Schilder hetzelfde onderwerp opnieuw. Een van de beste oefeningen in een artikel in het Workshop-magazine was hetzelfde onderwerp een tweede keer schilderen. De instructeur zei dat zodra de deelnemers de procedurele aspecten van het schilderen van een figuur of landschap hadden opgelost - de tekening, de compositie, de kleurmengsels, enz. - ze niet zoveel hoefden na te denken over deze kwesties en zich konden verdiepen in de handeling van schilderen. Het was fascinerend om de twee inspanningen te vergelijken en alle kunstenaars in de werkplaats wisten dat hun tweede schilderij hun gevoelens voor het onderwerp beter uitdrukte.