Tijdens bijna 30 jaar interviewen van landschapskunstenaars voor de Amerikaanse kunstenaar, heeft M. Stephen Doherty gezien hoe honderden schilders een verscheidenheid aan materialen en technieken gebruikten. Hier haalt hij het beste uit die verzamelde kennis en destilleert het in zeven nuttige tips voor plein air-schilders.
door M. Stephen Doherty
Mistige ochtend, Trinchera door M. Stephen Doherty, 2006, olie, 11 x 14. Collectie de kunstenaar. |
Ik vraag abonnees vaak welke artikelen ze zich herinneren te lezen en te waarderen, omdat hun reacties me helpen bij het in gebruik nemen van functies die tot dezelfde positieve reactie leiden. De eerste keer dat ik die vraag stelde, in 1979, herinnerden minstens een dozijn mensen zich een artikel in het nummer van juli 1972 van Susan E. Meyer, de redacteur van het tijdschrift, waarin ze beschreef hoe de 11 leden van de Fairfield Watercolor Group schilderden hun individuele kijk op een boerderij in Connecticut op een oktoberdag. De duidelijke herinneringen aan dat informatieve artikel zetten me ertoe aan belangstelling te tonen voor plein air-schilders en groepen kunstenaars te organiseren die hun eigen manier zouden vinden om te reageren op een gemeenschappelijk landschapsonderwerp.
In de daaropvolgende 29 jaar volgde ik kunstenaars bergpaden op, langs rotsachtige kustlijnen, op daken, naast historische gebouwen, in weelderige tuinen en langs met sneeuw bedekte paden met mijn camera en notitieblok. Ik probeerde erachter te komen wat hen naar de locaties trok, hoe ze hun schildermaterialen selecteerden en voorbereidden, waarom ze hun foto's op een bepaalde manier ontwikkelden en welk advies ze anderen die geïnteresseerd waren in hetzelfde streven zouden bieden. Sommigen toonden kunstenaars geschilderd in waterverf, anderen in acryl, een paar in caseïne en pastel, veel in olie, en een flink aantal foto's tijdens het schetsen en schilderen. Ik heb iets waardevols van al die kunstenaars geleerd, en mijn bedoeling is om te delen wat ik heb geleerd, terwijl ik de lezers ervan verzeker dat het proces om een competente schilder te worden net zo moeilijk en langzaam is als leuk en lonend. Zelfs na bijna 30 jaar studeren met de beste kunstenaars, moet ik nog veel leren over het proces van het maken van kunstwerken van wat mijn ogen waarnemen, mijn geest interpreteert en mijn handen uitvoert. Hoewel de aanbevelingen die ik hier geef weloverwogen en enigszins diepzinnig lijken, vertegenwoordigen ze mijn voortdurende strijd om de kwaliteit van mijn schilderijen te verbeteren.
Zonsondergang over de Hudson-vallei door Frederic Edwin Church, 1870, grafiet en olie op dun, crèmekleurig karton, 11 1/8 x 15¼. Collectie National Museum of Design, New York, New York. |
De kunstenaars die waarschijnlijk de grootste invloed hadden op mijn benadering van olieverfschilderij zijn de hedendaagse kunstenaars Thomas S. Buechner, Clyde Aspevig, Joseph McGurl en Jack Beal; evenals de grote 19e-eeuwse schilders Jean-Baptiste-Camille Corot (1796–1875) en Frederic Edwin Church (1826–1900). Buechner liet me zien hoe plein air painting in een druk werkschema kon worden ingepast, Aspevig hielp me waardevolle onderwerpen op onverwachte plaatsen te identificeren, McGurl demonstreerde hoe verf te beheren om de illusie van detail te creëren, en Beal opende mijn ogen voor dynamische composities. En toen ik de kans kreeg om neus aan doek te zijn met een Corot of een kerkschilderij, ben ik vernederd door het vermogen van de kunstenaar om het gevoel te creëren dat ik met hem in een landschap sta en de gecreëerde ervaringen deel door het licht en de atmosfeer.
Ik heb altijd terughoudend om mijn eigen kunstwerken in American Artist te reproduceren omdat ik de missie van het tijdschrift niet wilde verwarren met mijn persoonlijke agenda. Hoewel ik de inhoud van de publicatie vorm kan geven, probeer ik me te concentreren op de belangen van de lezer. Mensen hebben me echter aangespoord om mijn kunstwerken te bespreken om het tijdschrift te personaliseren en de lezers te laten weten dat ik hun passie deel. Ik ben het eens geworden met dat standpunt.
Herfst in de Kent Baptist Church door M. Stephen Doherty, 2006, olie, 11 x 14. Collectie de kunstenaar. |
Ik moet ook bekennen dat ik, zoals velen van jullie, hoop dat mijn kunstwerken voorbij mij zullen leven als een verslag van een persoon die dingen creatief en misschien aangrijpend op een bepaald moment zag. Er zijn bijvoorbeeld allerlei redenen waarom ik de herfst schilderde in Kent Baptist Church, sommige met de schoonheid van de herfstscène en sommige met betrekking tot het kerkgebouw, het kerkhof en vallende bladeren als symbolen van leven, dood en vernieuwing. Wat je niet kunt weten als je naar het schilderij kijkt, is dat ik in 2006 een klein auto-ongeluk op deze site had. Ik ging zeven maanden later terug om op de exacte plek te staan waar mijn auto een stuk ijs raakte en de bossen langs de oprijlaan van de kerk. Ik liep ongedeerd weg maar besefte hoeveel het leven in een fractie van een seconde kan veranderen.
Waarom belast ik u met deze details? Omdat ik wil benadrukken dat, terwijl ik schrijf over de beste procedures voor het schilderen van foto's, ik samen met u op zoek ga naar een visuele taal die inzichten duidelijker kan uitdrukken. Ik heb het geluk gehad om tijd door te brengen met artiesten die dat uitstekend kunnen doen, en ik hoop dat ik wat van wat ze me gul hebben gegeven kan delen.
Hier zijn enkele van de specifieke adviezen die ik heb ontvangen die me helpen bij het schilderen:
STEL JE VOOR WAAR, WANNEER, EN HOE JE SCHILDERT
Aspen Road door William Hook, 2004, acryl, 24 x 36. William Hook schilderde dit landschap tijdens een les in het première-nummer van Workshop. |
John Singer Sargent was misschien in staat om op elke locatie of op elk uur van de dag te beginnen met schilderen, maar de rest van ons moet een verflocatie selecteren op basis van het tijdstip van de dag, het seizoen van het jaar en de heersende omstandigheden. Eén plek is misschien inspirerend in de ochtend en saai in de middag, of de locatie kan meer tijd vergen om te schilderen dan beschikbaar is. Het is daarom belangrijk om rekening te houden met de schilderomstandigheden op de verschillende locaties die u overweegt. De meeste professionals nemen nota van de locaties die ze passeren en proberen het beste uitkijkpunt en de optimale tijd voor terugkeer te onthouden.
Thomas S. Buechner, een van de meest citeerbare kunstenaars die ik heb ontmoet, zei: "Hoe ouder ik word, des te aantrekkelijker wordt het onderwerp dat het dichtst bij de badkamer ligt." Hij maakte natuurlijk een grapje, maar hij probeert te voorkomen dat u te veel tijd besteedt aan het zoeken naar de "perfecte" schilderlocatie, omdat er altijd verschillende keuzes beschikbaar zijn, sommige handiger dan andere. Matthew Daub en William Hook hadden ongeveer hetzelfde advies toen ze waarschuwden voor de verwachting dat het landschap groener of pittoresker zou zijn aan de andere kant van de heuvel. Clyde Aspevig, een man met een intense persoonlijke motivatie, kiest locaties waar hij verschillende goede schilderijen kan maken zonder zijn uitrusting in te pakken en te verplaatsen.
Overweeg de richting van het licht op uw gekozen locatie
Bos van Fontainebleau door Jean-Baptiste Camille Corot, 1834, olie. Collectie National Gallery of Art, Washington, DC. |
De meeste plein air-schilderijen duren enkele uren om te voltooien, dus het helpt om te overwegen wat er zal gebeuren met de hoek en de intensiteit van het licht terwijl u op een bepaalde locatie schildert. Zal het zonlicht het schilderijoppervlak kruisen en ongewenste schittering veroorzaken? Zullen de wolken verdwijnen en een scherp contrast creëren in het patroon van zonlicht en schaduw? Zal het onderscheid tussen warme en koele kleuren sterker worden naarmate de zon ondergaat?
Natuurlijk hoeven artiesten geen slaaf te zijn van de weersomstandigheden. Zodra een goed schilderij aan de gang is, kunnen ervaringen hen leiden naar de succesvolle voltooiing ervan. "Lieg, bedrieg en steel, " zegt Jack Beal lachend. Daarmee bedoelt hij dat kunstenaars niet verplicht zijn om precies te schilderen wat ze waarnemen. Bij compositie draait het eigenlijk allemaal om het abstracteren van de driedimensionale wereld op een tweedimensionaal oppervlak. "Als Corot en Albert Bierstadt u kunnen helpen, laat ze dan in elk geval", adviseert Beal.
VERBALISEER WAT JE KIJKERS WILT WETEN
Veel ervaren leraren vragen studenten om op te schrijven wat ze aan kijkers willen overbrengen en dat stuk papier op hun ezels te plakken. Het gaat erom gefocust te blijven op het belangrijkste aspect van je foto. Telkens wanneer u een pauze neemt, lees het bericht opnieuw en evalueer of u uw centrale doelstelling bereikt. "Ik raad studenten meestal aan om die berichten op een kaart van 3" -x-5 "te schrijven, dus het is kort, eenvoudig en specifiek", zegt Sondra Freckelton. “Als ik langskwam om de voortgang van studenten te beoordelen, vraag ik of ze hun schilderijen zo ontwikkelen dat de boodschap op de kaart wordt overgebracht. Als ze dat niet zijn, praten we over elementen van het kunstwerk die de boodschap kunnen verwarren. Ik praat het liefst over materialen en technieken in het kader van die gerichte doelstelling."
PLANNEN DE SAMENSTELLING, WAARDEN, LIJNEN, VORMEN EN KLEUREN
Paramount View van Mt. Blanca door M. Stephen Doherty, 2006, olie, 11 x 14. Collectie de kunstenaar. |
Er zijn veel belangrijke aspecten van schilderen, maar degenen die het meest worden besproken in tijdschriftartikelen, kunstlessen en schilderworkshops zijn die welke de compositorische arrangementen van abstracte elementen beïnvloeden. Instructeurs praten over relatieve waarde en kleurtemperatuur omdat die de ene boom van de andere scheiden, de voorgrond van de achtergrond en het zonlicht van de schaduwgebieden. Ze vragen de studenten ook om te overwegen hoe de aanwijzingen van wegen, hekken, rivieren en paden de aandacht van de kijker in en rond een afbeelding leiden; en ze wijzen erop hoe de herhaling van kleuren en patronen een gevoel van eenheid en harmonie in een afbeelding kan bewerkstelligen.
Jack Beal praat over compositie wanneer hij de mogelijkheid heeft om studenten aan te spreken, en ik wou dat zijn ideeën breder verspreid en begrepen werden omdat ze kunstenaars kunnen helpen om meer spannende en boeiende schilderijen te maken. Hij gaat verder dan het voor de hand liggende advies om het brandpunt van een schilderij uit het midden te houden en de directionele stroom van vormen en lijnen te diagrammen. Hij laat studenten zien hoe ze positieve en negatieve ruimte effectiever kunnen gebruiken, hoe ze vormen die kijkers in een afbeelding verplaatsen en weer naar voren brengen, en hij moedigt kunstenaars aan om vormen te buigen, te draaien en te leunen zodat de compositie effectiever is. Hij verwijst bijvoorbeeld naar kunstenaars uit de Renaissance en de Barok die onderliggende driehoekige, cirkelvormige of trapeziumvormige vormen hebben vastgesteld en de figuren, objecten en natuurlijke vormen in hun schilderijen zodanig hebben geregeld dat ze losjes binnen die geometrische vormen passen. Ik dacht bijvoorbeeld aan het advies van Beal toen ik mijn schilderij Autumn in Kent Baptist Church componeerde en een reeks driehoekige vormen gebruikte om kijkers te sturen en hen een gevoel van onbehagen te geven over een anders aangename scène.
SCULPT MET VERF
De Pietra Santa Vineyard door Randall Sexton, 2006, olie, 11 x 14. Collectie de kunstenaar. Hierboven is een demonstratie die Sexton heeft voltooid in een workshop in het najaar 2006 nummer van Workshop. |
Randall Sexton heeft me geleerd meer aandacht te besteden aan de hoeveelheid verf die ik op een schilderij aanbreng, en Matt Smith liet me de voordelen zien van het 'beeldhouwen' van de directionele beweging van olieverf met een borstel. Beide kunstenaars gaven hetzelfde advies van de meeste instructeurs: werk van dunne tot dikke verfapplicaties, laat de schaduwen dun en de hoogtepunten dik en verplaats de borstel alsof deze de topografie van het landschap volgt.
Het doel van al dit advies is te erkennen dat de dichtheid, textuur en doorschijnendheid van olie de perceptie beïnvloeden van de objecten of plaatsen die we in onze schilderijen weergeven. Dit punt werd mij nooit duidelijker gemaakt dan toen ik in oktober 2006 een tentoonstelling zag van de verbluffende figuurschilderijen van Jacob Collins in Hirschl & Adler Galleries, in New York City. De warme, roodbruine schaduwen op de lichamen van de liggende naakten waren zo dun dat ik de grafietlijnen kon zien die de kunstenaar had getekend om de randen van die vormen te identificeren, en de donkere achtergrondkleuren achter de figuren werden dunner en warmer naarmate ze aan de rand van de dikke highlights op het vlees kwamen. Die subtiele manipulaties van het volume en de temperatuur van de olieverf creëerden een gloeiend licht in de foto's.
Tuin Squeteague Harbor door Joseph McGurl, olie, 9 x 12. Privé-collectie. Joseph McGurl geeft slechts twee landschapsworkshops per jaar, en een van die lessen was te zien in het voorjaarsnummer 2007 van Workshop. |
Dezelfde dag dat ik de Collins-tentoonstelling zag, stopte ik bij een show van Joseph McGurl's landschappen in Hammer Galleries, ook in New York City, en ik was gefascineerd om te zien hoe hij de textuur opbouwde van de verf die de voorgrenzen van zijn New England beschrijft scenes. In sommige gevallen gebruikte hij een grof geweven canvas dat glad kon worden gemaakt met dikke toepassingen van olieverf of in een ruwe staat kon worden achtergelaten. In andere situaties structureerde hij de onderliggende acrylgesso op de panelen zodat zelfs een dunne toepassing van olieverf zou lezen als een borstelige textuur. En een deel van de verf die werd gebruikt om de voorgronden te maken, werd op een paletmes geslagen, met zand of puim gemengd, of afgedankt net voordat het volledig droog was, zodat de penseelstreken minder duidelijk waren.
GA EXTRA MILE
Iemand vertelde me ooit dat het beter is om slim te werken dan hard, wat betekent dat het gebruik van je hersenen meestal efficiënter en effectiever is dan het gebruik van je spieren. Maar ik heb vaak gemerkt dat wat het ene schilderij uitzonderlijk maakt en het andere vrij gemiddeld is, de hoeveelheid tijd en moeite is die de kunstenaar aan de foto heeft besteed. Dat wil zeggen, schilderijen kunnen dramatisch beter worden wanneer de studenten bereid zijn om opnieuw te beginnen als hun onderliggende tekening onnauwkeurig blijkt te zijn; om extra tijd te besteden aan het mixen van de juiste waarde in plaats van het oppakken van wat er op hun palet staat; of om een grotere hoeveelheid details aan een foto toe te voegen, vooral in de buurt van het brandpunt. Soms is efficiëntie geen bewonderenswaardige kwaliteit en is ongeduld een struikelblok. Ik weet het, omdat ik de gewoonte heb zeer ongeduldig te zijn, maar ik herinner mezelf dat het geen zin heeft om nog een middelmatig schilderij op de stapel in mijn kelder te stapelen. Als ik niet de tijd wil nemen die nodig is om een uitzonderlijke foto te maken, heeft het geen zin om een nieuwe te maken.
Trekkers en vrachtwagens, Trinchera door M. Stephen Doherty, 2006, olie, 11 x 14. Collectie de kunstenaar. |