Het schilderen van de expressiviteit van iemands mond helpt bij het vaststellen van zijn of haar gelijkenis, persoonlijkheid en vitaliteit in een portret, maar veel kunstenaars hebben moeite om dat gelaatstrekken weer te geven. Hier is hoe ik studenten leer een mond te schilderen in olie of pastel.
Abonneer je vandaag nog op American Artist om meer functies zoals deze te lezen!
door William A. Schneider
Ezra 2007, pastel, 17 x 12. Privé-collectie. |
De mond is het op een na meest expressieve kenmerk op het menselijk gezicht na de ogen, maar kunstenaars vinden het een van de meest uitdagende kenmerken om nauwkeurig en uniek weer te geven. Ze keren vaak terug naar het symbool dat in de kindertijd werd geleerd van een omlijnd ovaal in het midden verdeeld, met twee afgeronde knobbels bovenop. Kunstenaars vallen in de val van het schilderen van wat ze weten in plaats van wat ze daadwerkelijk waarnemen.
In mijn workshops en lessen bied ik afzonderlijke demonstraties van hoe ik de ogen en mond schilder. Ik wil studenten helpen om vooroordelen te vermijden en in plaats daarvan te schilderen met dezelfde frisheid en animatie die ze gebruiken bij het vastleggen van andere aspecten van de persoonlijkheid van een model. Ik begin met zes tips voor het schilderen van een mond (zie zijbalk) en laat zien hoe die kunnen worden toegepast op het schilderen met olie of pastel.
Voordat ik die demonstraties geef over hoe je specifieke kenmerken zoals de mond, ogen of handen kunt schilderen, leg ik een context voor de discussie door eerst het hele menselijk hoofd te schilderen. Ik wil dat studenten begrijpen dat ik een aangepaste alla prima-methode heb, wat betekent dat ik nat-in-nat aan elke sectie van een schilderij werk, maar misschien niet het hele canvas in één keer bedek. Als ik niet tevreden ben met een sectie nadat ik er enkele uren aan heb gewerkt, verwijder ik de verf of pastel en begin ik opnieuw in plaats van te proberen om nog een dag aanpassingen aan te brengen. Mijn doel is om vast te leggen wat ik tijdens een sessie waarneem, niet om dingen dagen later opnieuw te evalueren.
De tweede reden voor het schilderen van een volledig hoofd is dat het helpt om in gedachten te houden hoe licht de structuur van de menselijke vorm onthult wanneer we details gaan overwegen. (Er is een fysieke, topografische reden waarom de bovenlip meestal in de schaduw is en de onderlip het licht vangt en een schaduw werpt.) Een derde reden is dat ik moet praten over de vier kritische aspecten van schilderen in de volgorde van hun belang: de eerste is tekening, vervolgens relatieve waarde, gevolgd door kleurtemperatuur en randen. Het succes van elk schilderij - of het nu een volledige figuur of een paar handen is - hangt af van die vier elementen.
Ontluikende kunstenaar 2007, olie, 9 x 12. Privécollectie. |
Ik start de demonstratie met wijnstokken om de positie van de mond te vinden. Ik teken geen omtrek. In plaats daarvan identificeer ik gewoon de onderkant van de onderlip, het middelpunt tussen de lippen en de plaatsing van de mondhoeken. Ik beschrijf de mond als een gebeeldhouwd object gemaakt van afgeronde, hoekige vormen van verschillende grootte. Ik wijs erop dat die vormen uiteindelijk afhangen van iemands leeftijd, geslacht en etniciteit. Dan zeg ik dat ik de mond zal "tekenen", waarmee ik bedoel dat ik de kwast of stok pastel rond de formulieren zal bewerken en geen lijnen zal invullen die de randen van die formulieren markeren. Ik herinner studenten eraan dat de mond een vloeibaar en expressief deel van het menselijk gezicht is, dus het is het beste om te streven naar een zacht understatement in plaats van een scherp gedefinieerde weergave.
Voor de doeleinden van dit artikel heb ik een schilderdemonstratie in pastel gedocumenteerd omdat dat droge medium het gemakkelijker maakte om de basisconcepten te laten zien. Mijn demonstraties worden meestal gedaan vanuit het leven, omdat dat altijd de voorkeur verdient, maar mijn lessen bevatten instructie in het werken vanaf foto's, omdat de meeste professionele portretschilders (vooral degenen die kinderen schilderen) het nodig vinden om een combinatie van foto's en schetsen uit het leven te gebruiken. Wanneer vanuit het leven wordt gewerkt, verandert de uitdrukking van het model voortdurend. Gedurende een sessie van twee of drie uur zakt de mond in een ontspannen houding die bijna fronsend is. De kunstenaar moet één afbeelding kiezen en ernaar terugkeren, waarbij hij zich herinnert dat de uitdrukking grotendeels wordt bepaald door de positie van de mondhoeken.
Reflectie 2007, pastel, 16 x 11. Privé-collectie. |
Een voordeel van werken vanuit het leven is de mogelijkheid om kleurrelaties te evalueren die specifiek zijn voor het model en de verlichting op zijn of haar gezicht. Foto's zijn niet zo nuttig bij het identificeren van het beste palet voor het schilderen van het gezicht van een jong kind, een ruige man of een vrouw met make-up; noch zijn ze erg goed in het vastleggen van nuances van kleurtemperaturen. Veel kunstenaars maken snel aquarel-, pastel- of olieschetsen van hun portretonderwerpen, zodat ze referenties hebben waargenomen waarmee ze de kleurvervormingen in hun foto's kunnen beoordelen.
Hoe je de kleurrelaties ook beoordeelt, het is belangrijk om een consistentie te behouden in het assortiment pastels of oliën dat een kunstenaar gebruikt. Anders Zorn had de neiging om vleeskleuren te mengen die worden gedomineerd door okers, John Singer Sargent was meer geschikt om zwarten en grijzen te gebruiken, en Henry Hensche duwde de intensiteit van warme en koele pigmenten. Die benaderingen werkten omdat de kunstenaars consistent waren in de manier waarop ze relatieve waarden en temperaturen beoordeelden, en in de manier waarop ze de vormen vormden.
In mijn ervaring is het gemakkelijker om modellen te schilderen die poseren onder een koel noordenlicht dat warme schaduwen creëert. Wit wordt meestal gebruikt om kleuren lichter te maken, en omdat het de coolste kleur in het palet is, worden de resulterende tinten koeler naarmate ze lichter worden. Onder een warme lichtbron worden objecten echter lichter en ook warmer. Dit is een grotere uitdaging omdat men kleine hoeveelheden cadmiumgeel of transparant oxide rood moet mengen om het wit te verwarmen. Het is gemakkelijk om te overdrijven en een onrealistische kleur te creëren.
De schoonheid van de jeugd 2007, olie, 14 x 11. Collectie de kunstenaar. |
De directheid van pastel stelt kunstenaars in staat om de ene kleur op de andere te leggen om de juiste balans tussen waarde en temperatuur te bereiken. Bij het werken met oliën moeten schilders echter rekening houden met de manieren waarop de textuur van de borstelharen en de toevoeging van oplosmiddelen of mediums de samenstelling beïnvloeden. Ik begin bijvoorbeeld meestal met olieverfschilderijen met borstels en verf verdund met reukloze minerale alcohol; en later schakel ik over naar kleinere, zachtere Royal & Langnickel-borstels en voeg een kleine hoeveelheid oliemedium toe. Als laatste punt zou ik een paletmes kunnen gebruiken om dikke highlights aan te brengen.
Zes tips voor het schilderen van de mond 1. De mond is constant in beweging, dus een schilderij ervan moet zachte randen hebben of het zal te stijf lijken en ongepast lijken voor de rest van het geschilderde gezicht. 2. Het is beter om de mond te onderschatten dan te overdrijven. Suggestie gaat verder dan zorgvuldige afbakening. 3. Er is een reeks verlichte en geschaduwde vlakken die de topografie van de mond beschrijven. In de meeste situaties raakt het licht de bovenkant van de bovenlip en werpt een schaduw onder de bovenlip; terwijl licht het bovenste vlak van de onderlip raakt en er een slagschaduw onder veroorzaakt. Als u de waarden van die reeks vereenvoudigt, leest de mond correct. 4. Structureel kun je je een bal voorstellen (het vlezige middelste deel van de bovenlip) die op twee eronder rust (de twee lobben van de onderlip). Zie het diagram. 5. Het diepe donker in de mond is bijna altijd warm, ongeacht de temperatuur van het licht. 6. Hoogtepunten op de onderlip hebben een duidelijke vorm en kleur en zijn meestal koel, zelfs bij warm licht. |
Uiteindelijk is een van de grootste voordelen van het proberen van deze oefening dat het helpt om te begrijpen hoe vluchtige gebaren kunnen worden vastgelegd die een gevoel van de persoonlijkheid van een model overbrengen. Of een kunstenaar nu een mond, handen, ogen of haar schildert, het is beter om het zachte uiterlijk van vormen te ontwikkelen in plaats van de ruwe contouren van individuele functies.
Over de kunstenaar
William A. Schneider studeerde kunst aan de Universiteit van Illinois, in Chicago, maar volgde een carrière in muziek en financiën voordat hij in 1990 terugkeerde naar beeldende kunst. Hij verbeterde zijn vaardigheden aan de American Academy of Art in Chicago en nam deel aan workshops met Dan Gerhartz, Scott Burdick, Harley Brown, Scott Christensen, Huihan Liu, David A. Leffel en Richard Schmid. Hij is een ondertekend lid van Oil Painters of America, American Plains Artists, de National Oil and Acrylic Painters 'Society en de Pastel Society of America. Hij is ook lid van The Plein Air Painters of Chicago, de Palette & Chisel Academy of Fine Arts en de Portrait Society of America. Zijn olie- en pastelkleurige schilderijen zijn te zien geweest in talloze juryshows, kunsttijdschriften en boeken; en ze hebben prijzen gewonnen in grote kunstcompetities. De kunstenaar heeft een studio in Crystal Lake, Illinois. Voor meer informatie over Schneider, bezoek zijn website op www.schneiderart.com.
Bethany dansen 2004, pastel, 16 x 12. Courtesy Lee Youngman Galleries, Calistoga, Californië. |
Standvastig 2007, pastel, 15 x 16. Collectie de kunstenaar. |
Lente 2007, olie, 40 x 26. Courtesy The Weatherburn Gallery, Naples, Florida. |