Olieschilder Debra Teare combineert het beste van conventionele trompe l'oeil-technieken met haar eigen moderne gevoeligheden om haar illusionistische stukken te maken.
door James A. Metcalfe
Alles goed 2007, olie, 13 x 10. Collectie Christine E. Lynn. |
Al meer dan 3000 jaar bewonderen en vieren kunstliefhebbers de talenten van schilders van trompe l'oeil. Tegenwoordig is trompe l'oeil overal, inclusief het bouwen van gevels, tafelbladen, productverpakkingen, films en toneelsets en interieurschilderingen. Het genre vervaagt nooit van de voorgrond omdat hedendaagse kunstenaars het niet toestaan - ze omarmen de principes van de stijl en passen hun eigen individualiteit toe met behoud van de filosofie. De fijne lijn tussen beeld en realiteit - en die ultieme verleiding om "het oog te strikken" - biedt nog steeds unieke uitdagingen voor hedendaagse schilders.
Teare op de principes van Trompe l'Oeil Debra Teare duwt de envelop een beetje in haar trompe l'oeil-schilderijen, maar ze houdt zich in essentie aan de basisprincipes van het genre, die ze hieronder schetst: “Trompe l'eoil is een kunstvorm die zich gedurende vele duizenden jaren heeft ontwikkeld. Aanvankelijk was het gewoon een manier van schilderen die 'het oog voor de gek hield', maar uiteindelijk ontdekten veel beoefenaars van de kunst dat bepaalde conventies het illusionistische effect waar ze naar streefden, versterkten. Een conventie is om de scherptediepte zo ondiep mogelijk te houden. Effecten zoals het vastplakken of vastpinnen van platte objecten aan een bord maken een ondiepe scherptediepte mogelijk. Een andere conventie is om het tafereel van links te verlichten, wat de kans vergroot dat de werkelijke verlichting van het schilderij overeenkomt met de illusionistische verlichting in een tentoonstelling. Een andere breekt niet het beeldvlak - dat wil zeggen, een object of schaduw niet uit het canvas laten lopen en zo de illusie behouden dat de objecten volledig in de ruimte binnen het frame bestaan. Een manier om het driedimensionale effect te verbeteren, is het handhaven van een ondiepe scherptediepte. Ik doe dit door mijn dozen of planken zo ondiep mogelijk te houden. Elk object of textuur met een sculpturale of tactiele kwaliteit zal waarschijnlijk eindigen in een schilderij van trompe l'oeil. Ik werk graag volgens deze regels, maar voel me vrij om deze conventies te doorbreken om een uniek effect te bereiken.” |
Een van de meest succesvolle schilders van trompe l'oeil vandaag is Debra Teare. Hoewel het deze Utah-inwoner 15 jaar kostte om haar niche te vinden, wist Teare dat wanneer ze het tegenkwam, ze 'het zou weten, voelen en meteen voelen' - en dat deed ze.
"Ik was jaren aan het rondkijken om een focus te vinden toen ik het werk van Larry Charles en de Society of Artists van Trompe l'Oeil tegenkwam, " vertelt ze. “Dat was mijn galvaniseermoment, en ik wist meteen dat trompe l'oeil schilderen mijn idioom zou zijn. Het was alsof ik was overgestapt van niets anders dan zwart-witfoto's naar niets anders dan levendige kleurenfoto's.”De analogie heeft een speciale weerklank - voorafgaand aan haar ontdekking van trompe l'oeil maakte Teare grote fotorealistische tekeningen in zwart en al meer dan 15 jaar wit. Diepe schaduwen en gevarieerde texturen hebben de kunstenaar al lang gefascineerd en ze voelde altijd een dringende impuls om een sterke driedimensionale kwaliteit in haar werk op te nemen. Het schilderij van Trompe l'oeil kwam tegemoet aan die behoefte. "Een van de redenen waarom ik dol ben op trompe l'oeil is vanwege mijn fascinatie voor precies schilderen", zegt ze. "Ondanks het feit dat trompe l'oeil verschilt van andere kunstvormen in die zin dat het een set regels heeft, vind ik de veronderstelde beperkingen ervan absoluut bevrijdend." Hoewel Teare houdt van "losse, weelderige schilderkunst" in andermans werk, ze kan zichzelf nooit die kant op zien komen. "Met dat soort schilderijen, " redeneert ze, "zou er iets verloren gaan in wat ik probeer te zeggen."
Moet vooruit gaan 2005, olie, 12 x 10. Prive collectie. |
Hoewel ze de discipline van het genre leuk vindt, vindt Teare het belangrijk om trompe l'oeil naar nieuwe gebieden te duwen. "Ik heb het gevoel dat mijn werk een eigentijdse uitstraling heeft die anders is, " zegt de kunstenaar. “Mijn gebruik van de doos - een techniek die ik gebruik om het stuk te isoleren, het terug in de ruimte te duwen en de illusionistische aspecten van het schilderij te benadrukken - is enigszins uniek, althans in de manier waarop ik het gebruik. De box helpt me ook om een scherptediepte te creëren met behoud van de noodzakelijke illusie van driedimensionaliteit. Ik wil dat de kijkers de objecten in de doos willen aanraken, de verschillende texturen metaforisch willen voelen en ervaren. Wanneer ze dan dichtbij het schilderij komen, zijn ze verbaasd dat het plat is.
"Traditionele tromp l'oeil kan er wat stoffig en eenzaam uitzien, dus ik probeer dat te vermijden door helderdere kleuren te gebruiken en natuurlijke of levende objecten op te nemen - een schelp of vlinder, een bloem of blad - en zoveel mogelijk kleur, " ze gaat door. Bovendien vertelt Teare graag een goed verhaal bij elk schilderij, een soort woordeloos verhaal dat smeekt om verteld te worden. "Als ik bijvoorbeeld een foto of een boek in een bepaald stuk opneem, begin ik me eerst voor te stellen hoe dat specifieke object oorspronkelijk door de eigenaar werd gebruikt of getoond - en mogelijk zelfs geliefd".
De textuur van elk afgebeeld item is essentieel voor Teare. De kunstenaar begint vaak met een eenvoudige textuur waar ze van houdt, en dan weeft ze er een gevoel omheen. “In The Message bijvoorbeeld heb ik ijverig wat in wezen drie eenvoudige objecten is gearrangeerd en vervolgens heb ik de exacte texturen gemaakt die voor een soort dimensionale resonantie zorgden,” legt de kunstenaar uit. Een ding waar Teare op staat, is dat texturen en kleuren elkaar moeten harmoniseren en aanvullen. Ze moeten worden verlicht met exacte verlichting om de emotionele inhoud te versterken. "Licht is daarom net zo belangrijk in mijn werk omdat het de laatste emotionele toon is die het stuk verenigt", zegt Teare. Ze doet veel moeite om een bepaald soort licht voor te stellen - of het nu buiten, binnen, natuurlijk of kunstmatig is - alles wat nodig is om de juiste emotionele kwaliteiten vast te leggen. "Vaker wel dan niet, goede verlichting is het omslagpunt tussen een marginaal stuk en een echt geweldig schilderij, " stelt ze.
Moeders en madeliefjes 2007, olie, 20½ x 9½. Collectie Christine E. Lynn |
De hedendaagse trompe l'oeil-beoefenaars weten dat bepaalde bewezen conventies het illusionistische effect versterken. Teare gebruikt en observeert er veel van, maar is nooit bang geweest om uit de traditie te breken om een bepaald resultaat te bereiken. Een conventie van trompe l'oeil die ze echter volgt, is het vastplakken of vastpinnen van platte objecten aan een bord; hierdoor blijft de scherptediepte zo ondiep mogelijk. Een goed voorbeeld hiervan is Must Move Forward. “Een andere conventie waaraan ik me houd,” voegt ze eraan toe, is om het tafereel van links te verlichten, waardoor de kans wordt vergroot dat de illusionistische verlichting van het schilderij overeenkomt met de werkelijke verlichting in een tentoonstelling. Ik verlicht al mijn schilderijen vanuit de linkerbovenhoek.”Schaduw is ook erg belangrijk, merkt ze op. "Door opzettelijk te voorkomen dat een object of schaduw van het canvas wordt gehaald, zoals ik doe in Must Move Forward, bewaar ik de illusie dat de objecten volledig in de ruimte binnen het kader bestaan, " legt Teare uit.
Bijna alles kan Teare inspireren om te schilderen, maar het is van het grootste belang dat het onderwerp een combinatie van kleur, textuur en schaduw bezit. Twee van haar favoriete plaatsen om die inspiratie te vinden zijn in tuinen en antiekwinkels. Het kan een hele tuinomgeving zijn of een fragiele, eenvoudige bloem die Teare in een schilderij wil bewaren. Oude foto's hebben een bijzondere eerbied voor haar, en ze vindt vaak een antiek object dat op een bepaalde manier perfect bij de foto past - en ze realiseert zich dat ze de zaden heeft voor een geweldige compositie.
In Textures in Tin ontdekte ze bijvoorbeeld het rode kerosineblik en wist meteen dat ze een stuk moest componeren met het blik als middelpunt. Hoewel het schilderij draait om de textuur van het kerosineblikje, legt ze uit dat ze de compositie langzaam heeft ontwikkeld door verschillende texturen toe te voegen. "Ik wist dat ik ergens een bloem nodig had voor evenwicht, " voegt Teare eraan toe. “Ik besloot uiteindelijk om de paardenbloem toe te voegen, ik stelde me voor dat een kleindochter haar opa een bloem gaf terwijl hij in zijn winkel werkte. Het leek symbolisch en artistiek het juiste accent te zijn. Ik heb toen de blauwe fles toegevoegd om een koele tint toe te voegen en om in de dop van het kerosineblik te binden.”Teare, die alleen in olie schildert, zegt dat de samenstelling van de samenstelling is wanneer ze het meest flexibel kan zijn. "Soms denk ik dat ik een scène rond een brief aan het componeren ben om te ontdekken dat ik uiteindelijk de brief verwijder en de compositie over iets heel anders gaat", legt ze uit. "Er zijn tijden, hoe hard ik het ook probeer, wanneer ik een gekoesterd object gewoon niet aan het werk kan krijgen - zelfs als dat object de inspiratie voor het hele stuk is - en ik moet het elimineren."
Domino Effect 2005, olie, 12 x 9. Collectie de kunstenaar. |
Mondriaan Zelfportret 2006, olie, 23 x 18. Collectie de kunstenaar. |
Naast goede verlichting legt ze uit dat kleur een zeer belangrijke bijdrage kan leveren aan de sfeer van het schilderij. "Ik heb een afkeer van kleurenclichés, waarvan ik denk dat mijn werk fris blijft", zegt Teare. Ze houdt van felle kleuren en gebruikt verlichting om tinten te harmoniseren. Over kleur die dissonant of schril kan zijn, maar die cruciaal is voor een stuk, zegt de kunstenaar: "Ik wijzig en harmoniseer de kleur zodat de compositie een op zichzelf staand universum wordt in vrede met zichzelf."
Teare schildert over het algemeen alla prima. Af en toe gebruikt ze glazuren, maar niet zo vaak als de meeste schilders van trompe l'oeil. In de overtuiging dat "al het schilderen in principe de juiste kleur op de juiste plaats krijgt", begint ze nooit aan een stuk totdat haar compositie precies is zoals ze het wil. "Ik zou een schilderij kunnen beginnen bij het brandpunt - een bloem bijvoorbeeld - en dan de hele bloem schilderen voordat ik verder ga naar andere secties, " zegt de kunstenaar. "Ik meng al mijn kleuren voor die sectie, die in totaal maar liefst 20 kleuren kan hebben, afhankelijk van het licht en de schaduw in dat gebied." Ze gebruikt fotografie als back-up omdat sommige items, zoals bloemen, de twee maanden niet meegaan neemt haar meestal mee om een schilderij af te maken. "Ik bewaar mijn stillevens in de doos voor mijn ezel terwijl ik schilder, omdat foto's vaak zo ontoereikend zijn in veel opzichten, vooral met betrekking tot de schaduwen, " legt Teare uit.
Texturen in tin 2006, olie, 13 x 22. Prive collectie. |
Door haar eigen toelating is Teare erg hard op borstels en gebruikt ze een verscheidenheid aan zeer kleine (maten 000 tot 01), goedkope synthetische stoffen. “Omdat ik het liefst op een hard oppervlak schilder, gebruik ik berkenmultiplex, waarop ik een canvas met een fijne textuur aanbreng dat ik met zuurvrije lijm monteer,” legt ze uit. "Ik gebruik alleen Old Holland-verven omdat ze diep zijn gekleurd - en hun textuur past bij de manier waarop ik schilder." Teare schildert op een tafelblad-ezel en gebruikt Gamblin-mediums, meestal Galkyd Medium gemengd met een gelijke portie Gamsol. De kunstenaar gebruikt graag veel kleuren en vindt het geen voordeel om haar palet te beperken. "Ik gebruik echter nooit verbrande umber en rauwe sienna, " zegt ze. "Ik vind dat ze gewoon te hard zijn voor het effect dat ik zoek." Ze combineert al haar eigen grijstinten, meestal uit complementen, soms met Scheveningen zwart en andere kleuren. Zwart wordt zelden rechtstreeks uit de buis gebruikt (met uitzondering van een rand op het schilderij). De kunstenaar gebruikt bij voorkeur complementaire kleuren om de waarden van haar mengsels te verlagen. Ze beschouwt raw umber als een uiterst nuttige kleur, vooral bij blues, en in het algemeen geeft ze de voorkeur aan alle meest levendige kleuren van Old Holland, vooral bij het schilderen van bloemen. Sommige van haar favoriete pigmenten zijn Old Holland-kobaltgroen, Caribisch blauw, dioxazine mauve en Scheveningen diepblauw. Twee geel die ze vaak gebruikt zijn cadmiumgeel diep en Scheveningen geel medium.
De boodschap 2005, olie, 12 x 9. Collectie de kunstenaar. |
Ze mengt heel zorgvuldig alle exacte waarden die nodig zijn voor elke toepassing van verf. “Ik breng de verf methodisch aan en ga heel langzaam vooruit. Ik zal af en toe glazuren, vooral in de schaduw, om een stralende gloed te geven, 'zegt ze. “Meestal zal de complementaire kleur van het licht dit bereiken.