Deze Californische kunstenaar streeft naar een agressieve, niet-gevangen-benadering van plein air-schilderen.
door John A. Parks
Dos Roses 2006, olie, 12 x 9. Courtesy Red Piano Art Gallery, Hilton Head Island, Zuid-Carolina. |
Ken Auster gebruikt veel dikke verf en brengt deze snel aan, bouwt sappige lagen op met een behendige aanraking om krachtige illusies en rijke oppervlakken te bereiken. Zijn recente werk behandelt een grote verscheidenheid aan onderwerpen, waaronder stadsgezichten, restaurantinterieurs, strandtaferelen, landschappen en stillevens. "Als het beweegt, schilder ik het, " roept de kunstenaar. “Ik zeg graag dat ik een korte aandachtsspanne heb. Op het moment dat ik het gevoel krijg dat ik mijn interesse verlies, kijk ik rond naar iets anders om te schilderen. 'Als hij niet buiten schildert, zoekt Auster zijn onderwerp uit een van de plastic vuilniszakken vol dia's die rond zijn atelier liggen. "Ik maak nooit een schilderij van een plek die ik eigenlijk niet heb bezocht", zegt hij. "Meestal maak ik, als ik een scène ga schilderen, ook foto's en maak ik wat extra schetsen zodat ik meer onderwerp heb om van achter in de studio te werken." Auster ontwikkelt nooit een groter schilderij strikt vanuit een schets. "Ik denk dat je de rand van spontaniteit verliest wanneer je dat doet", zegt hij. “Je verliest dat gevoel van avontuur en zoeken dat je krijgt als je voor het eerst een scène confronteert.” Als zijn dia's op een volledig ongeorganiseerde manier worden opgeslagen, betekent dat de kunstenaar nooit weet welke beelden hij zal maken wanneer hij zijn collectie induikt - iets dat hij voelt draagt bij aan de algemene opwinding van zijn dag. En opwinding is waar deze kunstenaar van leeft. In de schilderijen zelf wordt de pure vreugde van ontdekking en onmiddellijke reactie keer op keer gevierd in briljant streepwerk dat suggereert dat hij geniet van het nemen van risico's. Kleuren worden over elkaar heen gesleept en vormen worden getrokken en geduwd zodat het beeld uit een explosieve poetsstorm lijkt te komen. Het lijkt erop dat schilderen een tweede natuur is voor Auster. Het is dus een verrassing om te ontdekken hoe lang het hem kostte om de kunst op te nemen.
|
"Toen ik eind jaren zestig van de kunstacademie stapte, raakte ik betrokken bij zeefdruk", zegt de kunstenaar. "In die dagen had niemand ooit echt veel gedaan met zeefdruk T-shirts, en ik begon ze te maken voor de surfende menigte." Auster was, en is nog steeds, een toegewijde Californische surfer. Zijn zeefdrukbedrijf groeide snel en al snel ontwierp hij shirts en afbeeldingen voor grote surfboardbedrijven, surfresorts en andere surfgerelateerde ondernemingen.
Hoewel het bedrijf erg commercieel was, gelooft Auster dat de ervaring hem veel over kunst heeft geleerd. "In de beginjaren, " zegt hij, "kon je niet veel doen met zeefdruk op een T-shirt - je zou beperkt zijn tot één of twee kleuren. De uitdaging was dus om ze zoveel mogelijk te laten doen.”De kunstenaar ontdekte hoe kleuroverlays te manipuleren om afbeeldingen rijker te maken. Hij begon ook gemoduleerde gebieden te introduceren door de kleur te mengen met een rakel zodat een kleurverandering plaatsvond over een bepaald gebied toen het werd afgedrukt. "Ik heb wat zaken gedaan in Japan, " zegt hij, "en raakte geïnteresseerd in de manier waarop Japanse houtsnededruk beperkte kleuren gebruikte om zoveel illusie te bereiken."
Overbrug het 2006, olie, 40 x 40. Collectie de kunstenaar. |
Uiteindelijk begon Auster fine-art prints van een meer complexe aard te maken, nog steeds gericht op surfen afbeeldingen. "Zeefdruk is op een bepaalde manier erg beperkend, " zegt de kunstenaar, "en ik ontdekte dat ik zou leven voor die momenten waarop er iets heel ongewoons gebeurde, toen de registratie net iets anders was en een klein ongelukje iets zou toevoegen naar de afdruk.”Ontevreden over de veeleisende techniek van zeefdruk begon de kunstenaar collages te maken. "Ik zou alleen kleurvlakken op een zeefdruk maken, de kleur op allerlei vreemde manieren aanbrengen in lagen, en dan zou ik het papier verscheuren." Auster begon met gescheurde randen en kleur die op verschillende manieren was gegradueerd, collaged te construeren landschappen. "Ik kon niet geloven hoe sterk een beeld op die manier zou kunnen komen", zegt de kunstenaar. “Het heeft me echt geleerd om na te denken over het opbouwen van een afbeelding door vormen te masseren en waarden te verbinden in plaats van me zorgen te maken over lijnen en contouren. Ik moest aanpassingen maken door eenvoudig vormen te verplaatsen en ze samen te bouwen. Achteraf gezien was het een geweldige training voor schilderen, alleen op dat moment wist ik het niet.”
Vier of vijf jaar nadat hij in collage begon te werken, begon Auster met schilderen. "Ik had altijd al een beetje met schilderen gepraat, en toen ging ik op een dag wat landschapsschilderen met een groep vrienden", herinnert hij zich. “Iedereen leek het een beetje moeilijk te hebben, maar ik merkte dat het goed ging. Het leek mij eenvoudig. Ik trok de kleur aan en bewoog het rond zoals ik deed met collage. Omdat we maar een paar uur hadden, kon ik er niet teveel mee knoeien. Iedereen was onder de indruk van wat ik deed en toen ik het thuis kreeg en ernaar keek, was ik opgewonden. Ik denk dat je zou kunnen zeggen dat toeval de voorbereide geest begunstigt. '
Merrie Old Souls 2006, olie, 36 x 48. Courtesy Thomas Reynolds Gallery, San Francisco, Californië. |
De kunstenaar heeft nooit achterom gekeken. Hij begon al snel competities te winnen en zorgde snel voor galerijvertegenwoordiging, waarbij hij een aantal shows uitverkocht. Tegenwoordig beheert hij zijn eigen galerij en organiseert hij ook meerdere keren per jaar plein air schilderworkshops, bijgewoond door mensen van over de hele wereld. Auster, een energieke prater, geniet duidelijk van dit deel van zijn leven.
Auster gelooft ook dat de plein air-beweging op een aantal verschillende manieren zeer gezond is geweest voor kunstenaars. "Het heeft een sociale omgeving gegeven aan veel kunstenaars", zegt hij. “Het is iets waar schilders samen van kunnen genieten, als groep. En het heeft veel meer verzamelaars binnengebracht. Mensen snappen het meteen - ze begrijpen wat je doet en ze kunnen betrokken raken bij het bekijken van de foto's op een zeer directe manier."
Of hij nu buiten of in de studio werkt, Auster gebruikt een techniek die min of meer hetzelfde blijft. "In de studio gebruik ik verf van kwartpotten en gallonpotten voor de witte, " zegt hij. "Als ik in het veld ben, gebruik ik alleen de grote buizen." De kunstenaar geeft de voorkeur aan een merk verf genaamd Classic Art Oils, dat is gemaakt door een klein bedrijf in de omgeving van San Francisco. Auster maakt geen gebruik van een onderschildering maar begint gewoon met een "grote, boze borstel." "Het maakt het oppervlak minder absorberend, " zegt hij, "dus de verf zit gewoon op de bovenkant en ziet er weelderig uit."
Schud het baby 2001, olie, 11 x 14. Hoffelijkheid Howard Mandville Gallery, Kirkland, Washington. |
Terwijl hij aan de slag gaat met een schilderij, is Auster zich zeer bewust van het zoeken naar een duidelijk abstract ontwerp in zijn onderwerp, en dit is het dat hij eerst schildert. "Ik zeg tegen mijn studenten dat onder elk groot schilderij een geweldig abstract schilderij zit", zegt hij. "Ik ben op zoek naar een gewaagde, duidelijke structuur." Over het algemeen heeft de kunstenaar het hele canvas binnen een half uur bedekt. "De verf is behoorlijk dik, zelfs in dit stadium, " zegt hij, "hoewel ik de neiging heb om het donker een beetje dunner te houden dan de lichten." dikke, natte lagen. "Ik voeg nooit iets toe aan de verf", zegt hij. "Soms meng ik kleuren met een paletmes, maar vaak dompel ik mijn penselen rechtstreeks in de potten en meng ik het gewoon op het canvas." De verf houden zoals deze uit de buis of pot komt in plaats van een medium toe te voegen, betekent dat de kunstenaar weet altijd met welke consistentie hij te maken heeft - kennis die hij vindt helpt zijn zeer fysieke benadering. "Het is belangrijk om het aantal variabelen te beperken, " zegt de kunstenaar, "zodat je je kunt concentreren op de belangrijke dingen. Als ik mijn verf ken en mijn penselen ken, hoef ik me alleen maar zorgen te maken. '
Auster blijft het schilderij nat-in-nat bouwen totdat het beeld klaar is, vaak met spectaculaire manipulaties. "Een schilderij wordt gedaan als het doet wat ik wilde doen, " zegt hij. De kunstenaar geeft toe dat hij erg geïnteresseerd is in hoe schilderijen slechts verfstreken op een afstand lijken te zijn en vervolgens krachtige illusoire eigenschappen aannemen van iets verder weg. "Ik hou van dat heen en weer tussen verf en beeld, " zegt hij. Wat betreft de studiopraktijk, geeft Auster toe dat hij niet veel is voor organisatie of opruimen. "Opruimen is gewoon niet in mijn vocabulaire, " zegt hij. “Ik was mijn borstels nooit - ik laat ze gewoon een nacht in een kom terpentijn zitten en begin de volgende dag met ze. Mijn atelier is bedekt met verf.”De kunstenaar gebruikt vellen vetvrij papier voor paletten en gooit deze gewoon weg zodra ze in teveel verf zitten en opnieuw beginnen. "Sommige artiesten zullen je vertellen dat je voor alles moet zorgen en georganiseerd moet zijn enzovoort", zegt hij. "Behalve ik? Ik haal de dop van een tube verf en vergeet het gewoon - het is al verloren. '
California Dreamin' 2006, olie, 76 x 56. Collectie de kunstenaar. |
Auster gelooft dat zijn jaren als zeefdrukkunstenaar zijn gevoel voor design en zijn begrip van kleur hebben geholpen, maar hij gelooft dat schilderen een 'dans tussen passie en intellect' is. Beide kwaliteiten moeten een rol spelen om een schilderij te maken slagen. Dit idee is te zien aan het werk in Cat's Paws, een straatbeeld waarin een enorme schaduw het canvas op een diagonaal verdeelt en aan weerszijden wordt ondersteund door verlichte gebouwen. Het krachtige perspectief leidt naar een uitzicht over de haven, badend in zacht zonlicht. Tegen al deze intellectuele ordening werkt de borstel als een opwindende en uitdagende kracht die de metalen panelen van de voertuigen en het zware asfalt van de weg uit het spul van de verf zelf roept. Een verdere, poëtische toets wordt toegevoegd met de briljante rode remlichten van de achteruitrijdende auto's - gespot op het canvas in dikke wiggen verf. Nogmaals, in California Dreamin 'construeert de kunstenaar een zeer intellectueel ontwerp waarin een enorme schaduw de voorkant van het tafereel opneemt, terwijl een lijn van gebouwen zich in een zacht licht terugtrekt in de richting van een glimp van de balken van de Golden Gate Bridge. Hier speelt de kunstenaar met de schaal van de kleine tram die zich een weg baant door de grot van gebouwen. Nogmaals, de architectuur van het schilderij is doordrenkt met een dynamische energie terwijl het penseel op magische wijze de verf zwaait en sleept totdat het een verscheidenheid aan illusies aanneemt. De glinstering van de tramrails, de zware grijstinten van het asfalt, de verweerde baksteen van de gebouwen en de met vocht gevulde sluiers van de haven worden allemaal tot leven gebracht door de actie van de borstel en de energetische manipulatie van de kunstenaar door de verf.
Ik denk dat je was smelt 2006, olie, 7 x 12. Collectie de kunstenaar. |
Auster kiest zijn onderwerp volledig op basis van het feit of het al dan niet een jeuk vertoont die moet worden bekrast. "Over het algemeen hou ik van scènes met figuren, " zegt hij. "Ik voel me aangetrokken tot het menselijke drama in een landschap of een interieur." Auster gelooft dat te veel kunstenaars beginnen met het schilderen van mooie of aangename onderwerpen. "Schilderijen zijn veel interessanter als ze lelijk onderwerp hebben dat prachtig is geverfd", zegt hij. "Soms, als ik door een stad rijd, hou ik ervan om bij een rood licht te stoppen en een foto te maken van een scène waarvan niemand ooit zou denken dat die een schilderij zou kunnen verdienen." Het is niet verrassend dat Auster een grote bewonderaar is van de Ashcan School - van schilders zoals John Sloane en George Bellows, die levendige en schilderkunstige schilderijen schilderden van de kernachtigheid van het stadsleven. Onder zijn andere invloeden noemt Auster de ervaren Californische schilder Dan McCaw, die ook geniet van het manipuleren van weelderige oppervlakken in oogverblindende illusies.
Wat de toekomst betreft, zegt Auster dat hij veel groter gaat schilderen. "Groter is echt beter, " lacht hij. “Een groter schilderij heeft zoveel meer autoriteit en krijgt veel meer aandacht.” Het biedt ook meer uitdagingen. "Ik denk dat bijna alles klein kan werken", zegt hij. “Als je middelgroot wordt, moet je wat meer intellect gebruiken. Maar als je groot wordt, moet je er echt aan denken. "Het is niet zo erg nu, " zegt hij. "Ik begin erachter te komen hoe het schilderij eruit ziet op een afstand van 15 meter, zelfs als ik nog steeds dichtbij ben." Een van de voordelen van grote schilderijen is volgens hem dat ze niet zo snel verkopen. "Ze hangen langer in de galerij, " zegt hij, "zodat meer mensen tijd krijgen om ze te zien. En ik vind dat geweldig.”