Milt Kobayashi verleent studenten toestemming om volledige controle over hun schilderijen te nemen en voelt zich niet verplicht precies te schilderen wat ze zien. Tijdens een recente workshop moedigde hij de deelnemers aan om de pose, kleur en kostuums van een model aan te passen aan hun eigen ideeën.
van Molly Siple
Zijn lessen gaan meer over leren open te staan voor mogelijkheden en minder over het afsluiten van de week met een nieuwe lijst met artistieke do's en don'ts. Zoals een student zei bij het samenvatten van de onderwijsbenadering van Kobayashi: "Hij geeft ons toestemming om onszelf te vertrouwen."
Kunstenaars die onlangs deelnamen aan een van de workshops van Kobayashi aan de Scottsdale Artists 'School, ontdekten dat het niet eenvoudig is om beslissingen te nemen op basis van persoonlijke smaak in plaats van observatie. In feite is doen wat je wilt een geleerd proces. Het leren vond plaats tijdens elk van de vijf dagen van de workshop, met de ochtenden gewijd aan een drie uur durende demonstratie door Kobayashi, waarin hij zelden sprak. "Ik geef les op de manier die ik graag van Sargent wil leren, " legde hij uit. “Ik zou willen dat Sargent schildert en er niet alleen over praat. Ik zou uitzoeken wat hij zelf doet! '
Kobayashi hielp een student haar figuur schilderij versterken. |
Hoewel Kobayashi kort is over woorden over zijn kunstfilosofie, biedt hij studenten door observatie veel mogelijkheden om zijn stijl van schilderen te volgen.
Hij geeft ook aanwijzingen over zijn proces in de manier waarop hij vragen beantwoordt. Gevraagd naar een bepaalde mengeling van kleuren die favoriet was in een vorige workshop, antwoordt hij: "Oh, dat doe ik niet meer." Toen een student hem wilde vastpinnen op de manier waarop hij schaduwen opricht of handen schildert, gaf hij antwoorden zoals: "Het blijft veranderen" of "Normaal doe ik dat, maar niet vandaag." Studenten kwamen te weten dat ze in het heden moesten blijven, vertrouwen op wat ze zien en artistieke controle over hun werk nemen.
Kobayashi laat studenten vrij om op dezelfde manier te verkennen en uit te vinden als kunstinstructeurs die abstract expressionisme onderwijzen in de jaren zestig het schilderproces boven onderwerp plaatsten. Het werkelijke onderwerp - het model dat een bepaalde outfit droeg en in een bepaalde houding stond - was slechts een beginpunt. Hoe het schilderij zich ontwikkelde was gebaseerd op wat de kunstenaar op zijn of haar canvas zag. Over het schilderen van de figuur zei hij: "Schilder hoe je denkt dat het eruit moet zien."
Kobayashi's werk | |
Katten ogen 2003, olie, 8 x 8. Prive collectie. |
Liefde en Japanse prenten 2004, olie, 16 x 20. Prive collectie. |
De eerste dag van de workshop begon met Kobayashi-begroeting die voelde als een kleine menigte van bewonderende fans. (De klas van 18 vulde in de eerste 45 minuten na het openen van de registratie.) Verschillende van de studenten hebben zijn workshops gevolgd voor een decennium of meer. De doorgewinterde vriendschappen die Kobayashi met velen had, werden al snel duidelijk toen de kamer vol gelach en geklets werd. Een student vroeg: "Ga je ons vertellen over nieuwe geheime kleuren die je gebruikt?" Hij kwam onmiddellijk terug met: "Als ik het wist, zou ik het je niet vertellen." Dit werd gezegd met een sluwe glimlach, terwijl Kobayashi alle formele barrières tussen leraar en studenten wegnam. Hij maakte zichzelf en zijn instructie toegankelijk, waardoor de deelnemers het gevoel hadden dat ze van een zeer goed geïnformeerde vriend leerden.
Alle demonstraties van Kobayashi vonden plaats aan het ene uiteinde van een lange, ruime studio. Het model nam haar plaats in een gewone witte plastic stoel op een laag platform. Om te beginnen, kleurde Kobayashi een 11 "-x-14" canvas bedekte plank met een mengsel van donkergroen en oker pigment gemengd met wat verfverdunner en lijnzaadolie. Hij voerde snelle, stevige slagen uit, mengde ze en probeerde verschillende composities door een eenvoudige hoofd-en-schouderomtrek te tekenen. Hij waarschuwde studenten om ervoor te zorgen dat het hoofd niet was uitgelijnd met de romp, omdat dat "veel te stijf" zou zijn, maar het in plaats daarvan zou kantelen. Hij probeerde ook variatie in de pose te creëren. “In elke pose is er een actieve en een inactieve kant. Ik maak de ene kant erg recht en de andere scheef voor contrapunt. '
Vervolgens plaatste hij het model zodat het overeenkwam met wat hij had getekend. Hij boog haar hoofd en gebruikte het potlood om haar blik te leiden. "Dit is hoe ik werk", legde hij uit. "Ik begin met een idee van hoe ik het schilderij wil, en dan laat ik het model op die manier zitten." In dit stadium van de eerste tekening begon hij ook de positie van de handen vast te stellen, door ze aan te duiden met eenvoudige rechthoeken. Hij probeerde verschillende posities uit, enigszins willekeurig in termen van anatomie en de houding van het model, maar belangrijk in termen van ontwerp. Hij stapte regelmatig terug van het canvas om de compositie te beoordelen en paste vervolgens de plaatsing en de hoek van de elementen aan, opnieuw positionerend voor stroom, totdat hij tevreden was.
Veel van de studenten (en hun huisdieren) hadden heeft eerdere workshops gevolgd met Kobayahshi en waren bekend met zijn aanpak. |
Om de vorm van het hoofd te definiëren, trok Kobayashi een cirkel voor de bovenste schedel en voegde vervolgens een soort driehoek toe met een platte punt - een snuitvorm voor de voorkant van het gezicht. Als de plaatsing niet correct leek, kon de kunstenaar deze kort genoteerde vormen verplaatsen. Hij eindigde met het plannen van het gezicht door de ogen langs de boog aan te geven waar de cirkel in de driehoek wigde. De mond ging naar het puntje van de driehoek en eronder trok hij een uitstekende cilinder die de kin definieerde.
Kobayashi crediteert George B. Bridgman, een gerenommeerde instructeur van anatomie aan de Art Students League van New York, in Manhattan, voor meer dan 50 jaar, voor deze benadering van het tekenen van de figuur waarin de menselijke vorm wordt gereduceerd tot blokken ingeklemd in andere blokken. "Zijn methode was eenvoudig en gemakkelijk, en de blokken toonden de richting van de verschillende elementen van het lichaam, " legde hij uit. "Met deze aanpak kun je het skelet goed maken zonder je al te veel zorgen te maken over de spieren - wat werkt voor mijn soort schilderij." Kobayashi raadde studenten aan om exemplaren van Bridgman's boeken te kopen ter referentie: Bridgman's Complete Guide to Drawing From Life (Sterling Publications, New York, New York); Hoofden, figuren en gezichten (Dover Publications, Mineola, New York); Constructieve anatomie (Dover Publications, Mineola, New York).
"Soms is de pose die ik wil heel moeilijk vast te houden, " legde Kobayashi uit. "Ik denk dat dit komt uit mijn eerdere jaren van cartoonen, figuren in vreemde posities plaatsen." Om dit probleem van het hebben van een model een ongemakkelijke houding te overwinnen, werkt Kobayashi vaak van Polaroid-foto's van het model.
“Voordat ik te veel ga tekenen, schilder ik graag de massa zodat ik kan zien waar het schilderij naartoe gaat,” legde Kobayashi uit terwijl hij de demonstratie voortzette. Hij gebruikte een nr. 4 hazelnootborstel en zijn standaard palet van aardetinten, inclusief een moederkleur zoals zwart of een voorgemengd warm grijs, maar geen cadmiums en zelden wit. Hij is ook voorstander van Mars-seriekleuren, maar verder geeft hij studenten geen vast palet van specifieke pigmenten omdat zijn favorieten blijven veranderen. Met gele oker omlijnde hij het hoofd met slagen van verschillende breedte om vorm over te brengen en depte in waarden voor de ogen, neus, mond en oren. Hij stopte even om de studenten te verzekeren dat ze konden spelen met de plaatsing van functies. “Het schilderij is echt een leugen. Het enige dat u hoeft te doen, is de toeschouwer ervan overtuigen dat het schilderij goed is. 'Vervolgens smeerde hij zich op een wilde massa haar. Terwijl hij schilderde, merkte Kobayashi op: “Ik probeer haar snel en los te schilderen omdat het haar los is. Ik herinner mezelf aan het soort materiaal dat ik schilder, dus de penseelstreken drukken dat uit.”
Studenten werk |
Kobayashi vermijdt alles formele kritiek op studenten werken omdat in de klas er is niet genoeg tijd om schilderijen naar toe te brengen voltooiing, en hij voelt beoordelen zou dat zijn prematuur. Over echter de jaren, heeft Kobayashi meest één fout gezien studenten maken: ze zijn bang om darks te gebruiken en te beginnen hun schilderijen met een middentoon die maakt hun werk lijkt modderig. |
Kobayashi kan ook de kleur van het haar veranderen. In deze demonstratie schilderde hij het haar met Marszwart omdat "het echt zwart droogt." Zwart is een essentieel onderdeel van het palet van Kobayashi, in de traditie van kunstenaars zoals Degas, Manet en Velázquez. Over het algemeen geeft hij de voorkeur aan ivoorzwart in plaats van koolzwart, en wanneer hij wil dat het haar er zwart uitziet, voegt hij wat ultramarijnblauw toe.
Vervolgens pakte hij de vleestonen van het gezicht en de hals aan, met name modderige kleuren, die deel uitmaken van zijn kenmerkende stijl. Hij kan beginnen met Mars violet of Mars geel, of een warme monochrome van Holbein. Als er wat zwart pigment in zijn penseel achterbleef van het schilderen, mengt het haar zich met de andere kleuren, des te beter. "Voor mij is er iets mis met vlezige, pleisterkleuren en rouge wangen, " merkte Kobayashi op. “Ze werpen me uit het spoor en het schilderij begint in een meer conventionele richting te gaan in plaats van een Kobayashi te zijn. Ik voel me vrijer als ik ongebruikelijke kleuren gebruik. 'Toen hij de vraag van een student beantwoordde over de specifieke pigmenten die voor het gezicht werden gebruikt, onthulde hij het plezier dat hij heeft in het onconventioneel zijn. "Ik ben van plan op een grijze, lelijke huidtint - ziet er dood uit."
Hij blokkeerde in de schaduw van de oogkas, gevolgd door de kleur op de rand van de neus en de schaduw onder de lip en in de nek. Hij mengde hiervoor blauwe, verbrande sienna en een geelachtig wit. Hij houdt momenteel ook van Holbein's Mars-sinaasappel omdat 'het niet te bruin is. Het warmt een lichtblauw op en geeft een geweldige schaduwtint. 'Vervolgens vulde hij het blootgestelde deel van de borst in bij de halslijn, maar met een lichtere waarde omdat dit deel van het lichaam meestal minder zon krijgt dan het gezicht. Voor Kobayashi is waarde belangrijker dan kleur. “Waarde motiveert je schilderij. Je kunt dan elke gewenste kleur gebruiken. '
Hij richtte zijn aandacht weer op de handen en liet het model verschillende posities uitproberen. “Ik ben als een regisseur. Ik neem veel tijd om de handen te poseren, zodat ze niet gebald zijn of een te geometrische vorm hebben. Buig de pols een beetje, anders is hij te recht en ziet hij eruit als een boomstam. Denk aan hoe dansers hun handen vasthouden in posities die beweging in de vorm geven. Ik wil dat ze sierlijk worden geplaatst. 'Hij neemt polaroidfoto's van de handen van het model en gebruikt ze om in de basisvlakken te liggen. Hoewel hij de handen groot maakt, schildert hij graag de armen dun om meer actie aan zijn schilderijen te geven en het oog van de kijker naar buiten te brengen en in beeld te brengen. Zijn armen zijn tubelike behalve wanneer ze op een stoel rusten, in de bekleding zinken of een gelegenheid bieden om een zachte rand en een interessante vorm te creëren.
Kobayashi ging verder door het canvas te bedekken en alle waarden en vormen te leggen. "Op dit punt wil ik weten hoe alles zich verhoudt, " legde hij uit. Vervolgens vroeg hij de studenten om te beslissen welke kleur de blouse van het model zou maken. Hij suggereerde een koele kleur zodat de kleur van het gezicht er niet saai uitzag. De studenten besloten lavendel en Kobayashi mengde een maagdenpalm uit een combinatie van violetgrijs en roos. Vervolgens bedekte hij de achtergrond met een warm beige met een borstel nr. 8 en een paletmes, en sneed in de haarvorm met de achtergrondverf. Hij hield deze kleur licht om het silhouet van de figuur te behouden. De kunstenaar zegt dat hij blauw voor de achtergrond vermijdt omdat het teveel op de lucht lijkt.
Gedurende deze lay-in waren de penseelstreken van Kobayashi verzekerd en harmonieus. In verband hiermee had de kunstenaar een fascinerende tip voor zijn studenten: "Er is een ritme aan het schilderen dat zich uitstrekt van het palet tot het canvas, en de grootte van de containers die u gebruikt om uw oplosmiddel en pigmenten te bevatten, kan dit beïnvloeden, " hij adviseerde. “Gebruik grote containers om grote slagen te maken. Ik bewaar penselen in een koffieblik dat verfverdunner vasthoudt en gebruik een tonijnblik met het deksel verwijderd voor de lijnzaadolie. Met grotere containers kan ik de borstel vrij rondslingeren. Het is een continue stroom ding. Ik gebruik die kleine bekertjes die ze verkopen niet om olie in te bewaren. Een kleine dip maken met een penseel in een daarvan en vervolgens een grote slag op het canvas is een ander ritme."
Met de lay-in voltooid, voltooide Kobayashi fase één van zijn schilderproces in iets meer dan een uur. "Fase twee omvat het opruimen van de tekening, " legde hij uit. Nat in nat schilderend, werkte hij opnieuw aan het gezicht. "Nu teken ik het opnieuw voor me." Hij veranderde de waarden, voegde wat Marsviolet aan de wangen toe en benadrukte de projectie van de neus.
Tijdens fase twee stond Kobayashi heel dicht bij het doek voor 'serieus schilderen'. Studenten kregen een kijkje door de verrekijker die hen werd gevraagd mee te nemen met hun schilderbenodigdheden. Hij voegde wat licht toe aan de donkere kant van het gezicht, omdat, zoals hij uitlegde, "deze kant in het licht buigt", en een schaduw aan de lichtere kant toegevoegd om het op te helderen. Vervolgens concentreerde hij zich op de mond en sneed de rand met de aangrenzende vleestoon. Hij detailleerde de handen. "Ik denk aan de drie middelvingers van de hand als een wig met de pink en de duim meer als accenten, " merkte hij op. "Deze geven uitdrukking aan de hand." Hij schilderde dikke, zwarte lijnen tussen de vingers om ze te definiëren. Hij zag ook een kleurverandering bij het polsbeen en schilderde een vlak een diepe roos. Maar de handen waren nog steeds plat en gestileerd, die doen denken aan de grafische handen van de Weense expressionist Gustav Klimt.
Op dit punt overwoog Kobayashi een patroon toe te voegen aan de blouse van de figuur. Trouw aan de vrijheid die hij zichzelf laat schilderen, maakte hij een ontwerp van dansende kleurvlakken of strepen. Inmiddels was de persoonlijkheid van de figuur in opkomst. Toen een student hem vroeg wie de vrouwen in zijn schilderijen zijn en of ze een boodschap hebben, antwoordde Kobayashi nuchter: 'Ik ben een groot voorstander van' het is wat het is '. Dit is gewoon de manier waarop ik vrouwen schilder. Ik kan het niet uitleggen. '
Kobayashi werkte aan meer detail toen hij doorging naar fase drie. Hij besloot waar de pupil van het oog te plaatsen - 1 uur en hoog om het oog te openen - en, om de pupil wat textuur te geven, raadde hij aan om een viskeuze handgemaakte verf zoals Doak of Harding te gebruiken en de punt van de borstel in het pigment. Vervolgens paste hij de wimpers en wenkbrauwen aan en voegde deze toe aan de mond - het meest expressieve deel van het gezicht omdat het altijd verandert. “In dit stadium controleer ik ook hoe de ene slag met de andere werkt. Ik wil dat het oppervlak er aantrekkelijk uitziet.”Hij beschrijft zijn kenmerkende penseelstreek als 'ronder' en geeft daarom de voorkeur aan modellen met een voller gezicht.
Na een lunchpauze keerden de workshopdeelnemers terug naar de studio om drie modellen te ontdekken die zich op verschillende plaatsen in de kamer voordeden. Ze begonnen de vrouwen te schilderen en Kobayashi toerde door de kamer met een goede vorm, de grafische vlakheid van een ontwerp of het omgaan met kleur. Hij legde uit dat hij luid zou spreken bij het bekritiseren van het schilderij van elke persoon, zodat degenen met vergelijkbare problemen van zijn feedback konden profiteren. Een student had problemen met het roze van een satijnen jurk die een van de modellen droeg, dus liet Kobayashi haar een reproductie zien van een Sargent-schilderij waarin hij satijn had gehanteerd. Vervolgens hielp hij de student bij het vinden van de basiskleur van de stof die het klassenmodel droeg en schilderde die eerst voordat hij schaduw- en markeerkleuren toevoegde. Hij herinnerde zich ook de tijd dat hij een Sargent figuratief schilderij in zijn computer scande en de enkele donkerste gebieden en hoogtepunten digitaal wist om te ontdekken dat de meester voor de weergave meestal op slechts twee waarden had vertrouwd.
Voor een andere deelnemer groef hij een Spaanse kam en plaatste deze in het haar van het model om de achtergrond aan te vullen die de student had geschilderd. Naarmate de middag vorderde, was iedereen verdiept in hun werk. Schilderen voelde plotseling leuk toen Kobayashi de studenten losmaakte van de modelstudie en hen aanmoedigde om hun eigen originele schilderijen te maken.
In de loop van de workshop bouwde Kobayashi een warme band op met zijn studenten. Op de laatste dag bracht iemand een schoenmaker en ijs om te delen, en Kobayashi gaf de studenten knuffels voordat ze op weg gingen.